Este montaje consta de una canasta familiar constituida por diversos productos, considerados por las familias de clases sociales necesitadas como básicos. El costo total de estos abarrotes alcanza la suma de $22.950. Para obtener este “bono”, Galería Daniel Morón ha generado un sistema de rifa cuyo instructivo se encuentra disponible en esta vitrina. Por medio de este podrán participar todos los espectadores que deseen, sin tener que pagar por ello.

El proyecto explora el terreno de las vitrinas y la exhibición de alimentos en mercados y ferias de abarrotes, poniendo en manifiesto las preferencias alimenticias del pueblo chileno.

"Más allá de su significancia científica y técnica, nos encontramos frente a una imagen metafórica: el ruido blanco es un espacio visual que actúa frente a nuestro inconsciente. Lo que está adentro de la pantalla no puede ser visibilizado como representación de la realidad, porque es cuestionado por la interferencia, es problematizado desde su escucha, mientras aquello nos hipnotiza. Si el dominio cultural se produce a través del imaginario del otro que nos mira y nos narra, crea y construye, la pantalla –como espacio contenedor de mundo– nos ha convertido en autómatas, haciéndonos creer que lo ahí transmitido es nuestra posibilidad de existencia. El ruido blanco no es una falla, sino la posibilidad de reflexionar en torno al comportamiento humano."
Andrea Josch (fragmento del texto curatorial del proyecto www.ruido-blanco.cl)

Si tuviera que explicar la foto ni haría fotografía.

"Imágenes de imágenes de imágenes. Textos borrados, reescritos, rotos. Signos, figuras, cuerpos, recintos arrasados por las aguas. Piedras desmoronadas sobre piedras. Lugar que ahora sobrevuela el polvo."
José Ángel Valente

Egocéntrico, inmaduro, provocador, traumado, narcisista, rudo, antisocial, descontrolado, vicioso, irritable, celoso, precipitado, de sangre fría…

Este proyecto invita a la reflexión de la estrechez que nos separa del loco, del esquizofrénico, el que por desequilibrio puede transformarse en indeseable, en apartado.

Las estampillas son timbres con los que se “da la cara” a un lugar, al vincular el territorio etnográfico que sustenta y transita. Esto se denota en los elementos de contención pictográfica: nombres, tipografía, lenguaje, edificaciones, etc. La situación anacrónica de incluir criminales en la imagen implica sincerarse al asumir que son una parte de nuestra identidad.

Lo público y lo privado es un espacio vacío en constante negociación, donde jugamos de manera dual a estar "dentro" y "fuera".
 
¿Se trata de una delimitación objetiva impuesta sobre nosotros o una delimitación subjetiva creado por cada uno que la divide? Indistinto trata sobre el sutil cuestionamiento de nuestros propios límites dentro de estos dos espacios y el papel del poder, los nuevos medios y en el discurso político que desdibuja la línea entre ellos.

Recuerdo ¿recuerdas? se desarrolla en torno a la exploración y puesta en escena del recuerdo, comprendido como la elaboración de un entramado de vivencias, en el que se confrontan dialécticamente la realidad y ficción, a partir de una narrativa en común que las hila.

Cada uno de los módulos ilustrativos ahonda en las diversas visualidades del recuerdo, generado a partir de sujetos arquetípicos, en el que se imbrican y contrastan las distintas realidades ficticias construidas desde la memoria.

Se conforma un bagaje visual confeccionado desde el ensamblaje e hibridaje de recuerdos, que parten de un sustrato real para devenir en ficciones activadas por medio del ejercicio de la narración.

El lento movimiento y transformación de la vida nos sumerge en la cotidianeidad de un pequeño y complejo ser que nace y se desarrolla ante nuestros ojos. El hongo nos invita a reencantarnos con las texturas, formas y colores que crecen en una superficie orgánica en proceso de descomposición. A través de la técnica del grabado este se materializa en una imagen que rescata la lentitud del proceso de cambio y la sutileza de los tejidos que se entremezclan y funden en una misma superficie. Los procesos biológicos que constituyen la vida no dejan de asombrar, la capacidad de los seres para transformarse continuamente y no morir es un suceso que siempre será un maravilloso y fascinante misterio.

Here over there (Aqui en ese lugar) es una serie fotográfica de camas de hotel que inicié en la isla de Chiloé, Chile, el 23 de diciembre de 2002 y que continúo hasta la fecha.

Al trabajar de manera documental –todo muy neutro y con valores emocionales casi antropológicos–, fotografío las camas en las que duermo durante mis viajes con parámetros consistentes: la imagen es tomada tan pronto como me despierto en la primera mañana de mi estadía, con la luz disponible y cámara en mano, siempre desde el mismo punto de vista (mi altura). Me interesa la creación de una tipología de visualidad vernácula, propia de la industria turística. Esta ensayo fotográfico genera una secuencia de imágenes que presentan un cuadro más complejo de una sociedad en particular, la industria y su locación.

La serie se compone actualmente de más de 80 imágenes e incluye lugares tales como Taipei, París, Reykjavik, México DF, Puebla, Portland, Nueva York, San Pedro de Atacama y Santiago de Chile.

nictálope. Del lat. nyctălops, -ōpis, y este del gr. νυκτάλωψ, -ωπος, de νύξ, νυκτός, noche, y ὤψ, ὠπός, vista.
1. adj. Dicho de una persona o de un animal: Que ve mejor de noche que de día.
(definición de la Real Academia Española)

Las imágenes capturadas son una reflexión a partir del proceso fotográfico análogo y las posibilidades lumínicas del entorno, las que muestran momentos transitorios de luces y sombras proyectadas que buscan reflejar procesos de movimiento y transformación propios de la naturaleza y de la ciudad. El cuerpo es una construcción que muta, reacciona y atrapa los procesos de la luz o la carencia de ésta, que van ocurriendo periódicamente. El globo tiene un rol práctico de contenedor físico de los elementos, a la vez representa la protección y lo restrictivo de un entorno que se desenvuelve en sí mismo, es decir, representa la forma orgánica de un proceso cíclico de la vida.

El escenario nocturno raya entre lo incierto y lo fantástico: en la oscuridad todo se vuelve confuso y apenas pueden dilucidarse los objetos circundantes, provocando incertidumbre en el observador, quien para discernir el contenido de su entorno deberá realizar especulaciones. Sin embargo, al carecer de certezas el sujeto imaginará cualquier cosa, ya que a oscuras, todas las imágenes y situaciones son posibles. El único modo para develar el sombrío espacio es haciendo a un lado el velo, de esta manera el imaginario ficticio y las especulaciones mueren para dar paso a la comprobación de las imágenes.

"En mi proceso creativo acopio tanto material que las paredes y el cielo se cubren, el lugar desde donde fabrico desaparece y experimento la epifanía de la acumulación del desecho. Entonces me transformo en un obrero obsesivo, donde las horas pasan y el descanso no cesa, generando constructos para recuperar terreno y concentrar al objeto."

Un museo de doce salas iguales apiladas en cuatro plantas se presenta como un  edificio idealizado y sintético; es un aparato expositivo que reduce lacónicamente la escala de los elementos que confinan sus recintos al punto de la desaparición de su fachada principal. En esta desnudez explícita y sin rostro, las habitaciones sirven de soporte para un recorrido retrospectivo por doce obras realizadas por el Movimiento Artista del Sur (MAS), alter ego de Pezo von Ellrichshausen. Con una única obra por cada sala, la estructura expositiva pretende dar cuenta de las similitudes conceptuales y visuales entre las obras, así como de la diversidad de formatos y contextos de cada caso. Todas las obras expuestas son montajes participativos desplegados temporalmente en un espacio público específico. Su archivo regular funciona como un catálogo de momentos de intensidad y desajuste, de abstracción y contingencia.

Despertamos en el taller
Compartimos la utopía
Luego en el mundo,
somos una República Portátil.

"Es complejo hablar de taller al dedicarse a la fotografía. El taller puede estar en cualquier parte: el tiempo/espacio contenido en el tránsito de un lugar a otro de un bus, las los apuntes sobre un libro, incluso el bolso o cartera que contiene la cámara y la película fotográfica y que acompañan el tránsito diario. El computador y el programa editor puede ser un taller, un hogar de menores, la calle, todo puede ser el taller.
 
Bajo esta definición, seleccioné del computador una imagen de las últimas insertas en una carpeta de “trabajo en proceso” que corresponde a las reflexiones sobre objetos y lugares de estética similar, perteneciente a un sector específico de la población determinado básicamente por el acceso económico sobre objetos de uso doméstico y ornamental. Este trabajo no se constituye aún dentro de una serie fotográfica, y aunque varias de sus fotografías ya han sido exhibidas son, de alguna manera, subconjuntos de una exploración mucho mayor que sigue aumentando a partir de ir conociendo nuevos lugares."

De manera “voyerista” descubro una imagen familiar guardada en el baúl de los recuerdos de mi casa. Una escena “dulce” de familia me deja pensando sobre nuestra vida hoy; tiempo y espacio en el auge de lo virtual. Nuestra vida privada hoy se escurre por redes sociales en infinidad de repeticiones donde todos los que nos conocen o no están al tanto de que pasa dentro de nuestras casas y de nuestro entorno familiar. Lo privado se ha vuelto público y no hay vuelta atrás… esta imagen me distrae y me lleva a otro mundo que hoy es historia.

A través de la realización de acciones que en la sociedad actual siguen siendo consideradas principalmente de carácter femenino como coser o bordar, además de la utilización de telas con estampados que igualan las labores domésticas al rol de la mujer, Flash consiste en un traspaso de imágenes fotográficas tomadas de internet que ejemplifican la necesidad de auto exhibición desde temprana edad, convirtiéndolas en mapas del cuerpo adolescente. De este modo, autorretratos de jóvenes que pretenden ser provocativos o sensuales se convierten en una fotografía de sus carencias y una futura atadura al sistema dominante masificado principalmente a través de la televisión.

El cráneo de un animal y ramas secas hacen referencia a organismos vivos en su estado final; la muerte provocada por artilugios metálicos que pretenden preservar en un intento insano el estado pasado de los organismos ya inanimados. 

Los instrumentos fuerzan a las entidades biológicas a mantenerse en pie. En el caso de las ramas, los alambres las someten a amarras para que estas sigan erguidas y en el caso del cráneo, los alambres tensan sus fauces para mantenerlas abiertas evocando a las técnicas taxidermistas que se han utilizado hace años para mantener la imagen de un ser vivo ya muerto. Este concepto se entrelaza a la realidad de toda nuestra existencia en el desenfrenado intento de dominar el medio natural.

Compradores de la calle peatonal de Queen en Cardiff, Gales, Reino Unido. Parte de la serie Guardian Cities Project (2008).

El periódico inglés "The Guardian" le solicitó a Martin Parr documentar diez ciudades británicas: Manchester, Brighton, Liverpool, Bristol, Cardiff, Edinburgh, Belfast, Newcastle, Cambridge y Leeds. Diez ensayos fotográficos de 16 páginas y 20 fotografías que se adquirían con el diario como suplemento especial de los sábados para la edición local de cada ciudad mencionada. Se realizaron 750 copias conjuntas con su estuche, como edición de coleccionista.

Código de barras nace desde una tentativa del dibujo, la creación de un mapa ficticio y el interés por construir y explotar los recursos gráficos del acto de dibujar, entrando en un mundo que se construye así mismo de forma particular y que simula un entorno urbano múltiple, lleno de utopías e historias acerca nosotros mismos, pero sublimados en una narrativa que se vincula con la ironía y el juego de dar vida a objetos y contar historias desde una página en blanco. Al igual que la ciudad como escenario, Código de barras se vuelve a extender apareciendo anécdotas que estarán ligadas a la vitrina Móvil, como guiño a un tercer capítulo de esta historia.

La transmutación de los contrarios
es el movimiento del Tao.
Lao-Tse

Pan-Tierra es una serie de fotografías análogas, que se presentan como un medio para vislumbrar lo que hay detrás del estar y su poética. Está el elemento de lo cotidiano y la observación del presente como un acto meditativo. La tierra, las hojas, el musgo, son todos componentes de una misma tierra la que simboliza una forma de estar centrado, no de concretitud material, sino de poder realizar, crear con respecto a la vida.

Pan es, por otro lado, un elemento de lo diario que nos hace volver a reencontrarnos con nuestro centro, con nuestros propios rituales llanos, terrestres y simples.