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En Yo voy el espectador es también la obra fotográfica. Su mirada “enmarcada” hacia el interior de la vitrina se cruza con la de quienes antes ya estuvieron en su lugar. Detrás, el fotógrafo mira hacia un sentido mientras en el otro alguien espera ser fotografiado. Adentro del contenedor, un calendario guarda una mínima fracción de la vida de treinta transeúntes que aceptaron detenerse durante unos segundos para contar hacia dónde van.

Caras conocidas corresponde a una serie de dibujos realizados a partir de una experiencia creativa que plantea la construcción gráfica de un conjunto de rostros desarrollados bajo la idea de archivo de identificación, proponiendo al espectador reconocer rasgos característicos para establecer relaciones entre personas conocidas y los dibujos de rostros que comprenden esta serie. Este ejercicio busca activar la memoria visual de quien ve los trabajos. 

Repentino cierre de la transmisión, atravesando el corazón de los que sólo quieren poder ver más allá de su cielo falso.

Una multitud portátil, más grande que el Titanic –navegan como si no tuvieran un capitán– 10.700 máquinas que no quieren que nada cambie, envuelven a su ejército en delgados capullos rojos para cuidar todos los sueños que crecen dentro. Pasó algo de tiempo, uno donde ellos nunca vieron el engaño de la gran ballena, uno que engulló todo en un torbellino que ha durado noventa y nueve mil años, uno que nos hace creer que el aire es azul. Y solo 144 salvaron finalmente con vida. Vamos a hacer una propaganda, para que salga en la tele.

Ejercicio auto-reflexivo que fluctúa entre el acto de pintar en recogimiento y su exhibición pública. Compuesto por una serie de pinturas, en un formato próximo a la miniatura, es potenciado por un desplazamiento desde el diario íntimo, género considerado menor en literatura, hacia lo plástico visual. Cada pintura adopta el collage como procedimiento formal, y es encapsulada por una capa de resina, que fosiliza la huella bioexistencial.

Buscando poner en tensión la actitud del ejercicio ensimismado de su realización, como representación, y la posterior exhibición, recurre a la forma gráfica del calendario, como superficie de montaje. La que opera como distancia entre autora y espectador.

Móvil invita a los productores visuales de la región del Biobío a participar de su convocatoria En Rodaje 2012, cuyo objetivo central es instalar propuestas en el espacio público, promoviendo el acercamiento de diversos usuarios hacia las artes locales.

Bases:
01. Podrá participar todo(a) productor(a) visual –profesional o autodidacta– de hasta treinta años que resida en la región del Biobío.
02. En el caso de querer participar como grupo o colectivo, todos los participantes deberán tener hasta treinta años y residir al menos la mitad de ellos en la región.
03. Los trabajos podrán pertenecer a todos los géneros de la representación visual: dibujo, escultura, pintura, gráfica, fotografía, arte objetual, entre otros. Se excluyen, por razones de formato, el video y los montajes sonoros.
04. Se aceptarán como propuestas, trabajos inéditos o realizados con anterioridad. Estos últimos deberán reacondicionarse al formato de la vitrina: 100cm de ancho x 120cm de alto x 57cm de fondo.
05. Cada postulante, grupo o colectivo podrá enviar un máximo de tres propuestas.
06. La postulación deberá realizarse vía mail a hola@movilonline.cl, por medio de uno a tres bocetos digitales (formato jpg, modo RGB, resolución de 72 dpi y un máximo de 600 x 800 px), un texto de presentación del proyecto (600 palabras como máximo), ficha técnica (materiales y formato aproximado) y los antecedentes del participante (tipo de postulación –individual o grupal–, nombre completo, mail, teléfono de contacto y un currículo breve de no más de 20 líneas).
07. En los casos de postulación por grupo o colectivo, los participantes deberán elegir a un representante, (quien debe residir en la región), llenando con sus datos de contacto los antecendentes del participante.
08. El cierre de la convocatoria es el jueves 31 mayo 2012 a las 23:59 hrs.
09. El equipo Móvil, constituido por Leslie Fernández, Consuelo Saavedra, Óscar Concha y Dany Berczeller, seleccionará un máximo de diez propuestas, considerando su calidad y adecuación al uso del espacio/vitrina. Las postulaciones fuera de regla o incompletas serán rechazadas de manera automática.
10. Los proyectos seleccionados serán publicados el día lunes 11 de junio del 2012 en la página web de Móvil –www.movilonline.cl– y su facebook –www.facebook.com/movilcolectivo–.
11. Los postulantes seleccionados serán contactados vía mail ese mismo día.
12. Cada montaje tendrá su lugar designado, fecha única y período de exhibición de un mes aprox. (resuelto previamente por Móvil) el que deberá respetarse para asegurar el buen desarrollo del proyecto. El inicio será el día viernes 13 de julio de 2012.
13. La vitrina será entregada con un día de anticipación a la fecha del montaje en el lugar dispuesto por Móvil. Ésta deberá ser devuelta en las mismas condiciones en que fue recibida, de modo que no se podrá intervenir estructuralmente la vitrina (aspecto a ser considerado en la solución de cada montaje).

14. Es responsabilidad de cada artista, grupo o colectivo el considerar los costos y tiempo tanto de la ejecución, como del traslado y montaje de su trabajo.
15. Móvil imprimirá una ficha informativa relativa al artista/grupo/colectivo y su obra, la cual será instalada en la vitrina y difundida en la página web del proyecto.
16. Los lugares de exhibición para Móvil En Rodaje 2012 serán la Galería Universitaria (Barros Arana 531, primer piso) y la oficina de Correos de Chile (Colo-Colo 417), ambos ubicados en Concepción. Cualquier cambio de lugar será informado oportunamente vía mail.
17. Las vitrinas se encuentran disponibles actualmente en estos lugares, de modo que cada participante puede visitarlas y hacerse una idea tanto de la vitrina como del entorno donde se realizará el montaje.

http://www.tvu.cl/noticias/images/stories//videos_contenido/edicion_central/Videos/libro_meissner_20diciembre.flv

Cada individuo tiende a refugiarse en una serie de factores sociales que le ayudan a formarse como persona. El punto de discusión en este caso, radica en
la necesidad por buscar y determinar su propia esencia, aquello que de alguna manera lo diferencia del resto, y lo potencia. Sabemos que dicha búsqueda radica en un “algo” que se encuentra en los niveles más profundos de la psique, además que de alguna forma al acercarnos a esa respuesta no podremos sino diferenciarnos aun mas de los “otros” y por ende alejarnos.

Lo aquí buscado sería entonces, por así decirlo, el deseo de contrasinergia, la ruptura entre lo que está adentro y lo que está afuera.

Luego del terremoto y maremoto del 27 de febrero de 2010, fue recuperado de los escombros de una casa en Dichato, un trozo de película fotográfica en blanco y negro. El negativo presentaba signos de deterioro producto de la catástrofe, los que modificaron la imagen que contenía la película. Para develar la nueva imagen resultante, el negativo fue digitalizado en el mismo estado en que se encontró. Con ella, fue impresa una edición de postales de 10 x 15 cm que se ha dejado en varias de las viviendas destruidas como acto de devolución de la foto al lugar al que pertenecía. Las fotografías presentadas son el resultado del registro de dicho acto.

La fotografía es una imagen de ese estado puro de la infancia donde las distancias reales y temporales son relativas, lo que se relaciona con la propiedad más importante de la fotografía, que es conectarnos con el tiempo que recordaremos a futuro vagamente. Esta imagen es pura, por que no constituye una puesta en escena, sino una situación natural, en la que una niña, mi hija, es fotografiada sin darse cuenta.

Se propone una imagen fresca de observación de aquel confín absoluto que es el Pacífico frente a Valparaíso, con amor y en cierto modo con esperanza, como una reacción a tanta fotografía de corte bizarro y de marginalidades.

La imagen representa de Valparaíso a través de un objeto del imaginario personal del autor. La ciudad es sugerida mediante la repetición de un patrón arquitectónico modelado en cajas de fósforos de colores; una idea que proviene de la sensación, radicalmente subjetiva, que el autor tiene sobre la ciudad.

A través de la construcción y registro fotográfico de esta visión, se genera una miniaturización y abstracción de la formas originales de Valparaíso, incitando a la reflexión sobre la fragilidad material y la existencia de diversidad dentro del conjunto. Plantear a la ciudad como un objeto de cuidado, como reducto de la humanidad, otorgarle un valor basado también en lo lúdico, lo simple.

La comunidad Pitril, ubicada en el sector de Los Perales en Alto Bío Bío, tiene una población de 388 pehuenches, que se agrupan en 96 familias. Se llega a la localidad luego de un viaje de más de tres horas desde Ralco, que incluye un recorrido de una hora a pie por una “huella” o sendero. La situación de aislamiento de Pitril aumenta durante el invierno, ya que la nieve suele superar los sesenta centímetros de altura, impidiendo el trayecto desde y hacia a la localidad.

Llevo dos años visitando la comunidad y espero de seguir haciéndolo a futuro, para registrar el desarrollo de la localidad y sus habitantes. La imagen aquí propuesta, es la primera fotografía que se les hace a esto dos niños y fue tomada en su propia comunidad.

Como habitantes de un país costero, mantenemos una memoria colectiva sobre el paisaje, donde aparece constantemente la presencia del mar. La línea del horizonte se proyecta sin un final visible.

Es una relación de la cual resulta complejo desvincularse ya que aparte de influir en nuestra visualidad y en nuestros recuerdos, se manifiesta en el aire, la atmósfera, abarcando gran parte de nuestros sentidos formando parte de una experiencia vital.

Observar y fotografiar personas contemplando el mar nos conecta con aquella experiencia de haber estado enfrentados a un paisaje eterno, desconocido. Un paisaje incierto que no sabemos dónde termina, por donde imaginariamente podemos desplazarnos y viajar, aún estando situados en un extremo austral del mundo.

Móvil En Rodaje CCP/VLP forma parte de las Brigadas de Acción Fotográfica (BAF) del FIFV 2011.

Mediante el dibujo se busca evidenciar y reflexionar, sobre la importancia que tiene el lenguaje no verbal en la comunicación e interacción entre individuos, demostrando de ésta manera el poder comunicativo que tiene un rostro y como éste nos entrega información que debemos codificar, lo cual nos condiciona a conectarnos con un plano emocional e interpretativo. Así es como da a lugar una traducción, desde un lenguaje analógico a uno digital, en el que cada uno carga de sentido, ejecutándose de esta forma la relación con el espectador.

La conjugación de los lenguajes utilizados da como resultado, un híbrido, una interpretación visual de características gráficas y volumétricas que reflejan las acciones y respuestas dentro de una relación comunicacional.

Es un territorio ficticio que recrea una ciudad construida a base de materiales comestibles. Apunta a visibilizar de manera práctica la estética del dulce y su condición estimulante como elemento de consumo. El cuerpo de obra se constituye en su espacio a la manera de una vitrina comercial de pastelería; relacionando artificiosamente imaginarios de cuentos infantiles con visualidades de circuitos electrónicos. Así, se instala una reflexión en torno a las prácticas contemporáneas de producción, tanto en el arte como en la industria, y a cómo de manera transversal se conjugan procesos creativos de reflexión y manufactura personal con procesos tecnológicos e imaginerías globalizadas.

El pelo se constituye como otro un yo después del acto de cortarlo, puesto que posteriormente este sigue creciendo. Este otro yo genera interrogantes: ¿He procreado algo? ¿Lo he criado? Este material orgánico, pasa a ser una descendencia del propio desprendimiento. Al no deshacerse materialmente del pelo este subsiste como una extensión del ser, siendo a su vez rastro del otro ser que se encuentra en constante movimiento.

Es así como se descubre al pelo como un nido en reminiscencia del ser, una suerte de bolsa amniótica que lo contiene. Pero no de un otro incubado, sino un lugar donde el yo pasa a formar parte y forma de ese nido.

El proyecto exhibe/presenta tres soluciones distintas de la realidad de un objeto de cristal. Ante la intriga que surge por la condición de traslucidez que alberga este material (entendida como una incertidumbre de lo que se ve) y los modos de representarla, se instala el objeto mencionado, extraído de su cotidianidad, sin contener nada excepto aire. Es un ejercicio que busca —a partir de la observación— reflexionar, renovar y ampliar la percepción de las cualidades de un objeto y de sus múltiples posibilidades: su materialidad, sus proporciones, ser usado cotidianamente, ser fotografiado, ser observado y contemplado, ser pintado, ser usado metafóricamente, etc.

¡Los esperamos!

En 1881 Pedro del Río Zañartu, ilustre vecino penquista, trajo desde Egipto una momia, que se sumó a su colección de objetos del mundo, la cual donó a la ciudad y hoy es un museo. Mas de un siglo después, en 2009, Reinedio González, traficante de la zona, conocido como "el Martillo" o "el Faraón", es detenido por la policía, quienes junto con incautar las sustancias ilícitas, extraen una colección de objetos de estilo egipcio con los cuales decoraba su riqueza.

Hoy, los imperios desbaratados, sus maldiciones y venganzas, se dan lugar en un espacio interrogante, de tesoros descontextualizados por necesidades enviciadas, caprichos y búsquedas que proponen aquí una pirámide invertida a pérdida.

Las malezas son plantas que crecen predominantemente en lugares alterados por el hombre y resultan indeseables para él en un momento y lugar determinado. Sirvieron como alimento antes de ser consideradas malezas y del desarrollo de la agricultura, que se ha concentrado en cultivar sólo 100 especies de un total de 13.000. Nutricionalmente son más alimenticias que las hortalizas. Hemos olvidado reconocer cuáles son comestibles, indigestas o tóxicas.

Este montaje es una invitación a recuperar el antiquísimo hábito de la recolección y cultivo de plantas silvestres, aprovechando los recursos naturales; abundantes, nutritivos, gratuitos y junto a ello hacer visibles sus cualidades estéticas.

Diversos acontecimientos actualizan toda construcción. Reconversiones, clausuras y siniestros superponen capas y capas temporales sobre el mismo cuerpo, bifurcando constantemente su proyecto y del cual pareciese que no existiera un sentido absoluto, salvo el de su íntimo proceso. El coleccionar sus partes a modo de residuos históricos, diagrama nuevamente su continuum.

La caja negra del Palacio Consistorial: cárcel, cabildo, terremoto, incendio.

La obra es una reflexión frente a las relaciones y los diversos estados e identidades de las personas, apelando al rostro como imagen principal de aquello que asimilamos visualmente. Esto se manifiesta como un desorden de rostros que, por medio del dibujo, desvirtualizan la visión realista de una fotografía apelando a la manera aleatoria a través de la cual nos relacionamos en las redes sociales. Las identidades se pierden en un espacio repleto de imágenes en donde ninguna de ellas parece resaltar por sobre las otras. Es, en esencia, esa diferencia la que caracteriza y define cada cuadro, la misma que nos identifica como personas perdidas en un universo de imágenes y relaciones infinitas.

El cartón como material de protección y embalaje, deja su característica primordial, se acopla y adecua a la situación, reflejo de procesos de ampliación hogareña, sinónimo de hacinamiento y apropiación, que a su vez nos habla de un estado de manufactura propia y búsqueda de soluciones rápidas a problemas cotidianos, un eterno parche. La utilización del desecho es el proceso de transformación de “personalidades”, despoja de cualidades, reformula y se le carga de nuevas características. Es en este punto en donde la característica primordial del cartón se pierde, al igual que las soluciones parches el cartón pasa a ser de una contenedora de objetos a una contenedora de imaginarios.

Consiste en la instalación de una serie de mediaguas pequeñas e idénticas, construidas en cartón y cubiertas con papel de diario. Se utiliza el recurso visual de la saturación, ubicando estos elementos de manera alternada dentro de la vitrina. A través de este montaje se busca dar a las mediaguas una sensación y visibilidad flotante dentro del espacio; junto con ello hacer referencia a la paradoja entre lo volátil, fugaz y saturado que resulta la entrega cotidiana de masa informativa frente a la fragilidad de la memoria, la diversidad social, fechas, plazos y compromisos estatales.

Calendario Ch.ACO Móvil

Periodo 1
22-27 Ago: Bar The Clinic y Entretenimientos Diana
Periodo 2
29 Ago-2 Sept: Casa Cibeles y Municipalidad  de Santiago
Periodo 3
2-8 Sept: Subterráneo Edificio Santiago Centro (Café con Piernas) y Sindicato de Folkloristas
Periodo 4
8-13 Sept: Mercado Central y Centro Cultural Estación Mapocho

CONCURSO Ch.ACO Móvil
(para enterarse que es Ch.ACO Móvil www.feriachaco.cl )
Regalaremos 4 entradas singles y 2 entradas dobles para asistir a la Feria.

Como ya saben el calendario Móvil tiene 4 periodos y cada uno de estos tiene 2 locaciones.

+ Para las entradas single debes sacarte 1 foto junto a cada Ch.ACO Móvil de un periodo. (2 fotos)
Ej: Para el periodo 1 (22-27 de agosto) debes enviar la foto del Ch.ACO móvil del Bar The Clinic y otra de los Entretenimientos Diana. Recepción del último periodo es el 9 de Sept.

+ Para las entradas Dobles debes enviar 1 fotografías junto a cada Ch.ACO móvil en los 8 lugares estipulados. (8 fotos)
Ej: Para los 4 periodos (del 22 de agosto al 9 de sept.) deben hacernos llegar las 8 fotos de los 8 lugares distintos, Bar the Clinic, Entretenimientos Diana, Casa Cibeles, Municipalidad de Santiago, Café con piernas, Sindicato de Folcloristas, Mercado Central y Centro Cultural Estación Mapocho.

IMPORTANTE:
* Finalización de la recepción de imágenes para el concurso será 9 de Septiembre.
* La entrega de entradas se realizará el día de entrega de resultados.
* Es requisito presentar cédula de identidad para retirar entradas.

La ruina obedece al acto de la caída, del desmayo, del colapso, en su acto terminal la ruina tiende a muerte y esta pesa en el recuerdo, en la historia, en la dignidad y relevancia del acontecimiento previo, en la memoria colectiva, cuanto pesa una ruina es cuanto soporta nuestra memoria, en su acto por defecto resistencia, la fuerza de resistencia, de mantenerse viva, de no olvidar, la ruina es también fuerza, el peso es fuerza.

En un acto de resistencia, piezas memorables, objetos encontrados de un acontecimiento son dispuestas sobre una vitrina móvil, que cubiertas de blanco y enfrentadas a la luz son develadas, distendiendo su discurso retórico, desde la memoria.

La tradición textil construye un universo femenino de la mano del oficio, cubriendo al hombre en un gesto estético identitario, acción transversal con respecto al tiempo. Este proceso de repetición acompaña el paso del día tras una cotidianidad silenciada, el tejido escribe la imagen paradójica de la figura femenina, omitiendo al ejecutor, dando lugar a una lectura sesgada, sin particularidad.

La propuesta evidencia este lenguaje del silencio, dándole visibilidad al ser descontextualizado en una vitrina, tensionando la asociación convencional de género y oficio, dándose lugar a la posibilidad de leer un nutrido diario de cabecera en cada pieza confeccionada.

Tejer es escribir.

La sombra es consecuencia irrevocable de la luminosidad que a diario percibimos en el ambiente, aparece cuando la luz se topa con un objeto y éste proyecta su silueta. En la fotografía los contrastes provocados por las sombras son más acentuados que en el ojo humano ya que éste puede captar una amplia gama de luces, por ende las sombras pasan mucho más desapercibidas.

Bajo ésta lógica y para dar valor a figuras mayoritariamente distorsionadas por la acción angular en la que se encuentra la luz, se retrataron dos situaciones que están divididas por una línea diagonal de luz y sombra, con el fin de hacer notar ambos contrastes y a la vez crear una atmósfera pictórica en la fotografía.

Este montaje trata de una serie de láminas creadas a partir de la experimentación gráfica por medio de la estampación de fotografías policiales de asesinos de los años 20. El “hacer” a partir de la reutilización de imágenes intervenidas por la impresión de copias y del azar, permite reciclar esta visualidad y reconstruirla, otorgándoles junto a una nueva estética, un nuevo significado.

La desintegración que proponen los retratos es el descontexto de un imaginario ya que se trata de delincuentes, pertenecientes a un espacio geográfico distinto, ajeno a nuestra realidad. Su exhibición nos permite a través de sus actitudes y gestos, sospechar e interpretar sobre nuestra “primera impresión”.

Es una acción a cambio de otra, es un gesto para lograr otro.

Desenhebré para conseguir material, desenhebré para construir tu hogar.

Mi obra se construye mediante recursos de sobrevivencia, pueden ser recolecciones, trueques, aprendizajes o esfuerzos. En este caso, construyo mediante el intercambio de un gesto. Desenhebré largas horas una tela cruda de dos metros por un metro, la misma medida del balcón donde estamos exponiendo. La imagen que observan es el material deshecho. Mi idea es levantar un sitio íntimo dentro de un espacio expuesto. Es deshacer para rehacer. Es cambiar un esfuerzo personal para conseguir la mirada pública.

Móvil informa que la intervención del artista visual Oliver Sáez Matamala, que debía presentarse en la vitrina "Allá" del 6 al 26 de junio de 2011, en las dependencias de Correos de Chile (Colo Colo 417), dentro del ciclo en Construcción 2011, no se llevó a cabo debido a que el autor no entregó su propuesta.

Como colectivo, esperamos que esta situación no vuelva a suceder.

Es el lugar de encuentro de los nuevos sueños, despojados de grandes temas e ideales y centrados en el presente continuo, es el sueño de globalidad desde lo local, es la microempresa cultural, el lugar de residencia, el lugar de los amigos, las utopías al alcance de la mano y no en el horizonte imposible. El prefijo "neo" respira un aroma a ciruelos en flor, los mismos que uno ve en Concepción a destiempo, es la promesa cumplida que los sueños se realizan y no dependen más que de las ganas y el coraje de los que se atreven.

Respecto a lo sucedido en la Biblioteca Municipal de Concepción con la obra de Guillermo Moscoso, artista invitado por Móvil dentro del ciclo “En Construcción 2011”, queremos manifestar lo siguiente:

El colectivo no tiene restricciones de contenido sobre las obras que exhibe en sus plataformas, pero es consciente de que estos soportes se instalan dentro de un espacio mayor, que tiene un responsable a cargo y su mirada particular.

No compartimos la censura al trabajo de un artista, por lo que esta situación nos obliga a reflexionar sobre los límites del “espacio público” y de quienes lo transitan.

Todos los involucrados debieramos ser concientes de que cada lugar tiene su usuario y que cada obra tiene su discurso. Apostamos por que entre ellos prime el mutuo respeto y hacerlos coexistir es nuestra responsabilidad.

La modernidad ha sido y es marcada por el deseo del hombre occidental de querer ver el mundo haciéndose así una idea propia de lo que antes era considerado como lejano y exótico, esta experiencia individual es otra forma de consumir, sin tener en cuenta las diferencias culturales, la historia, el contexto socio-político y la realidad de los lugares que se visitan.

Eden Hotel les propone un viaje por espacios intermedios, por las fronteras en las cuales son sitiados los candidatos a la expulsión, por zonas remotas o abandonadas, por tierras marcadas por el movimiento telúrico permanente, por la pobreza y la destrucción del medio ambiente… bienvenidos a la era del “turismo de lo real”.

Este trabajo busca reflexionar sobre el abuso de poder de la iglesia hacia niños y niñas. Para ello son utilizadas muñecas, símbolos de la infancia y de la ingenuidad, las cuales son enfrentadas a los principales elementos de la liturgia católica como una forma de denunciar el poder que se ha ejercido a través de los discursos y la imaginaria religiosa.

De esta manera se expone de manera más concreta, como ha calado en los cuerpos y las almas de mujeres y hombres de distintas generaciones y contextos, estas hipócritas y santas pasiones de las que fueron objeto.

Desplazamiento e intervención visual desde la posición del artista en relación al cuestionamiento del soporte para las expresiones del arte. La ocupación del cuerpo como superficie gráfica para la realización de un tatuaje en el espacio público, como también las posibilidades de transcripción que el ejercicio visual puede conducir a partir de este gesto (tatuaje); entrega la opción de cuestionar los limites en tanto categorías e interrelaciones posibles de hacer.

Para este caso el formato Móvil, actúa como un canal de presentación, transmisión y relectura, contenedor de una propuesta que combina diferentes plataformas técnicas y discursivas, extraídas desde la práctica artística y las propias posibilidades de expansión de las mismas construcciones visuales.

Un Balcón del puerto de Valparaíso, es uno de tantos, los hay con ropas que cuelgan, con plantas que acompañan, con cachureos e historias, también están los que cuelgan, se desgarran, se resisten a caer, a desaparecer y que finalmente quedan impresos en una postal de la gran fachada.

Estos dos proyectos independientes fundados en Concepción el año 2004, se han mantenido activos hasta hoy, realizando hasta la fecha 15 y 8 publicaciones respectivamente.

La importancia de ellos, radica en generar un constante intercambio y vinculación con agentes, artistas, autores y proyectos editoriales, dando visibilidad a diversas iniciativas regionales y promoviendo la generación de redes –principalmente latinoamericanas–.

Es por esta razón que Móvil ha considerado fundamental incluirlos en esta compilación, ya que son iniciativas que desde la autogestión, han logrado instalar su mirada y opinión más allá de los límites locales.

Al recordar las imágenes mediáticas de Concepción, como una de las ciudades más afectadas por el terremoto de febrero de 2010, recuerdo la difusión que hicieron noticieros como CNN, New York Times y Fox News quienes bombardearon al espectador una y otra vez con imágenes gráficas en un remolino hipnótico que dejó una profunda impresión. Estas imágenes penetraron fuertemente en nuestra psiquis, sin mediar nuestro esfuerzo ni resistencia.

Cada catástrofe tiene sus tres días de fama, hasta que una catástrofe más corriente toma su lugar.

MÓVIL invita a los productores visuales de la región del Bío-Bío a participar de su convocatoria En Rodaje 2011, cuyo objetivo central es instalar propuestas en el espacio público, promoviendo el acercamiento de diversos usuarios hacia las artes locales.

Bases:

01. Podrá participar todo(a) productor(a) visual –profesional o autodidacta– de hasta treinta años, que resida en la región del Bío-Bío.
02. En el caso de querer participar como grupo o colectivo, todos los participantes deberán tener hasta treinta años y residir al menos la mitad de ellos en la región del Bío-Bío.
03. Los trabajos podrán pertenecer a todos los géneros de la representación visual: dibujo, escultura, pintura, gráfica, fotografía, arte objetual, entre otros. Se excluyen, por razones de formato, el video y los montajes con sonido.
04. Se aceptarán como propuestas, trabajos inéditos o realizados con anterioridad (estos últimos deberán reacondicionarse al formato de la vitrina: 100 cm. de ancho x 120 cm. de alto x 57 cm. de fondo).

05. Cada postulante, grupo o colectivo podrá enviar un máximo de tres propuestas.
06. La postulación deberá realizarse por mail a hola@movilonline.cl, por medio de uno a tres bocetos digitales (jpg, RGB, 72 dpi, 600 x 800 px), un texto de presentación del proyecto (600 palabras como máximo), su ficha técnica (materiales y formato aproximado) y los antecedentes del participante (tipo de postulación –individual o grupal–, nombre completo, mail, teléfono de contacto y un currículo breve de no más de 20 líneas).
07. En los casos de postulación por grupo o colectivo, los participantes deberán elegir a un representante, (quien debe residir en Concepción), llenando con sus datos de contacto los antecendentes del participante.
08. El cierre de la convocatoria es el domingo 5 de junio del 2011.

09. El equipo MÓVIL, constituído por Dany Berczeller, Óscar Concha, Leslie Fernández y Consuelo Saavedra, seleccionará un máximo de diez propuestas, considerando calidad y uso de formato de la vitrina.
10. Los proyectos seleccionados serán publicados en la página web (www.movilonline.cl) el día domingo 12 de junio del 2011 y contactados vía correo electrónico.

11. Cada montaje tendrá una fecha única y un período de exhibición de 15 días aprox. (asignados previamente por MÓVIL). El inicio de la muestra será el viernes 1 de julio de 2011.
12. La vitrina será entregada con un día de anticipación a la fecha del montaje en el lugar dispuesto para el/ella por MÓVIL. Ésta deberá ser devuelta en las mismas condiciones en que fue recibida, de modo que no se podrá intervenir estructuralmente la vitrina (aspecto a ser considerado en la solución de cada montaje).

13. Es responsabilidad de cada artista, grupo o colectivo el considerar los costos y tiempo tanto de la ejecución, como del traslado y montaje de su trabajo.
14. MÓVIL imprimirá una ficha informativa relativa al artista/grupo/colectivo y su obra, la cual será instalada en la vitrina y difundida en la página del proyecto (www.movilonline.cl).

15. Los Lugares de exhibición de En Rodaje 2011 serán la Biblioteca Municipal (Víctor Lamas 615) y la oficina de Correos de Chile (Colo-Colo 417) ambos ubicados en Concepción. Cualquier cambio de lugar, será informado oportunamente.

El tratar de estetizar un hecho relevante, traumático y al límite de lo representable es muchas veces paradójico. La siguiente imagen es un índice iconográfico de un sentir personal, el factor objetual de distintas retóricas. Ahora, la imagen extendida, colgada desde un balcón de una de las oficinas federativas de una histórica asociación estudiantil, no es gratuito. Quizás la respuesta a la amnesia está precisamente en este gesto, “ventilar los trapos sucios”, de cara a la teta auri-cielo. 

Una serie de partes de zapatos recolectados en el río Biobío, se constituye en figura de un cuerpo social de borde. Estas partes, cuidadosamente separadas de su cuerpo original, es clasificada y posteriormente reservada al vacío para detener su proceso de descomposición y guardar la memoria de un paisaje propio y ajeno. La recolección de lo encontrado y su disposición a la observación como evidencia-vestigio. Lo seriado a modo de un ordenado amontonamiento visual (muestrario-inventario) nos remite al otro amontonamiento de cuerpos grabado en la memoria colectiva producto del silencioso y sutil exterminio humano por otros humanos en la “otra ciudad” y a la asociación que deviene del desplazamiento complejo de estos despojos.

Entender el proceso de producción de obra como una necesidad que responde a su contexto de manera procedimental en el ejercicio y práctica del arte, nos permiten construir y proponer realidad desde lugares distintos que conformaban una identidad territorialidad. Desde allí la presencia necesaria del acontecimiento, que se sitúa como lugar primordial dentro del trabajo. Estos ejercicios se movilizan a través de intervenciones culinarias; donde la visualidad instalada hace referencia a ciertos hitos del arte clásico, pero que se vinculan en esencia a situaciones locales y particulares que embargan la percepción del artista en el intercambio cultural con otras realidades locales de la región latinoamericana.

Luego del terremoto y maremoto que tuvo a la región del Bíobío como centro o epicentro de los acontecimientos, comencé a viajar a la ciudad de Concepción. Al pensar en la imagen que usaría en la intervención del proyecto Balcón tuve la idea de dejar en evidencia el lugar que me acogió en esos primeros viajes. Es así como atardecer es un trabajo que se articula desde la contingencia y los afectos, desde la necesidad de señalar un lugar que me ha servido de albergue y refugio. La imagen muestra una luz (lámpara) roja, la cual relaciono con la emergencia y con la visibilización de un lugar, que hoy sigue funcionando como refugio, pero ahora de iniciativas vinculadas al arte, desde la necesidad de subvertir un espacio privado hacia un territorio público, posibilitando la creación de nuevas audiencias y ampliando las maneras de hacer y mostrar el arte en Chile.

Es el documento, dispuesto como despiece y ahora analizado como testimonio de una época, el origen y bienvenida a esta versión de En Construcción.

Con la exhibición de los proyectos actuales de estos artistas, Móvil busca responder la pregunta constante sobre que está desarrollando cada uno de los artistas y colectivos actualmente vigentes de la región.

Aquí se combinan dos imágenes: un dibujo del caricaturista Laplace publicada diariamente en el diario “La Vanguardia” de Cataluña y un fragmento de un grabado de la “Schedelschen Weltchronik” de 1493. El fragmento muestra la profecía bíblica de la caída de la ciudad de Babilonia. El dibujante Laplace por su parte pública diariamente en el diario “La Vanguardia” de Cataluña un par de dibujos, entre los cuales se debe buscar siempre ochos diferencias. Derrumbes, desastres naturales, instrumentos de percepción de la realidad, arte como representación, cultura y naturaleza, son algunos de los conceptos que aquí surgen y que pueden tener (o no) –si se relacionan con la situación actual de Chile después del terremoto- implicancias equivocadas o desacertadas.

…Las saludé personalmente a todas.
                                       mariposa violeta
Y cuando estuve frente a la arboleada
que alimenta el oído del viajero
con su inefable música secreta
                  río
recordé el mar y enumeré las hojas
                            mi abuela
en homenaje a mis hermanas muertas.
Perfectamente bien. Seguí mi viaje
como quien de la vida nada espera…

“Hay un día feliz”
“Semillas para el segundo piso de Concepción”
Poemas y antipoemas

Sergio Valenzuela
Nicanor Parra

“Aquel que dijo más vale tener suerte que talento conocía la esencia de la vida. La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte. Asusta pensar cuántas cosas escapan a nuestro control. En un partido hay momentos en que la pelota golpea el borde de la red y durante una fracción de segundo puede seguir hacia adelante o caer hacia atrás.

Con un poco de suerte sigue hacia adelante y ganas. O no lo hace, y pierdes.”

Match Point, Woody Allen (2005)

Desde fines de los años 80 hasta hace pocos años, los bloques PET esparcieron su arquitectura mínima en el paisaje urbano de gran parte de la periferia de las ciudades chilenas.

Zonas estigmatizadas de promiscuidad y marginalidad, donde el ingenio chileno irrumpe para acomodar en sus escasas dimensiones, una serie de ampliaciones improvisadas aprovechando el espacio.

El volumen ampliado que recuerda una mediagua parece ampliarse hacia fuera, tal como este balcón, siguiendo el escorzo tridimensional en un infinito punto de fuga.

Un maniquí construido a base de retazos de tela, costura, pintura y resinas, es una exploración en volumen de una inquietud recurrente y desarrollada en obras anteriores. Se considera al cuerpo como el modo en que acontecemos en el mundo, premisa bajo la cual se pretenden desligar las clasificaciones habituales realizadas tanto por la medicina como otras disciplinas que separan al cuerpo y lo contemplan como objeto de análisis. En esta obra se hace una apropiación de un mecanismo tradicional de estudio del cuerpo humano, y se transforma aprovechando sus posibilidades expresivas. El objeto en si mismo es una metáfora de la somatización de las experiencias emocionales. Dada su estructura como plataforma de exposición Móvil, posibilita una doble lectura de este trabajo concibiéndose tanto como obra de arte, como objeto de vitrina museal.

Un lapsus hace referencia sobre el tiempo, indistintamente si es un espacio atemporal o no. Para este espacio de tiempo casi indescifrable es el que ocupo para darle el título a mi trabajo, por una parte, para hablar metafóricamente de la muerte de la pintura al utilizar como referentes trozos de carne de animal, y por otra parte al disponerlos dentro del espacio de Móvil como si fuera un congelador, o un conservador de materia inerte. Lapsus, es entonces, así como un espacio de tiempo indescifrable, un lugar de contención, un diálogo entre el arte, los espacios y la historia de la pintura un diálogo de persistencias y pertenencias entre lo que se muestra y lo que se conserva. El tiempo, la materia viva o muerta es la que da cuenta de un cuerpo, el cuerpo de la pintura, de su insistencia por subsistir.

Este trabajo es una reflexión entorno al peligro que implica “La naturaleza” como un factor externo de quiebre cultural que destruye de forma rápida y dramática nuestro entorno material y simbólico. La obra esta compuesta de dos materiales distintos: un volumen construido en gelatina congelada y diversos juguetes con lo cual se promueve una emoción plástica ambigua, introduciendo elementos simbólicos y figurativos de nuestro entorno contenidos en un volumen rígido y estable, que se destruye con el paso del tiempo y sus condiciones. Se articula entonces un nuevo mensaje reintroduciendo a través del proceso de ruptura y destrucción de estos juguetes, vueltos a significar al ser incluidos como elementos figurativos y simbólicos en la destrucción del cuerpo que los contiene.

Una serie de ilustraciones, pinturas y grabados han sido creados a partir de referentes que permanecen en la memoria de una generación, vinculada a objetos tales como juguetes, cómics, disfraces, películas, dibujos animados que forma parte de la estética de los años 80, época que se caracterizó por el boom de los robots transformables y series de ciencia ficción que recreaban fantásticos escenarios futuristas para el siglo XXI. Pareciera, que los numerosos cambios tecnológicos no han generado mayor revolución, sin embargo están presentes en las nuevas formas de establecer comunicación, como de generar vínculos de información y conocimiento.

La naturaleza alberga un sinnúmero de elementos, de los cuales percibimos una pequeña cantidad, puesto que nuestros sentidos no se encuentran capacitados para apreciarlos. Con la ayuda de medios vicarios es que podemos imbuirnos de las complejidades de lo orgánico. La obra en su conjunto pretende darle valor a lo micro y no tan sólo en un afán científico sino también recrearlo por su valor estético, pues en ellos se contienen elementos de carácter matérico jugando roles impresionantes las texturas y tramas orgánicas. El rescate de dichas formas nace de la exploración al orden de las lepidópteras, del cual se rescatan las tramas imbricadas de sus alas y las formas convexas de sus huevos,las piezas se erigen con materiales que buscan acercarse también, de alguna forma, a esas cualidades matéricas, utilizando el hilo y la cerámica para revivir lo minúsculo.

El proyecto trata de un estudio de los ciclos naturales y la transfiguración de las formas como metáfora del cuerpo. Este estudio/experimento plantea la confrontación del cuerpo con la noción cultural que se le asigna; que es por principio estática, y que plantea una lucha infértil entre vida y muerte. Al contrario de esto, aquí se concibe como un campo de batalla en que ambas se abrazan y cuya unión lleva impresa el nacimiento de algo nuevo, un cuerpo que difícilmente responde a los cánones estéticos y culturales y se mantiene en una batalla sin tiempo ni espacio con la imaginería aplastante del poder.

A la venta en:

Santiago

Librería Ulises
Parque Arauco, Av. Presidente Kennedy 5413, local 361, Las Condes
Paseo Lastarria, Av. Lastarria 70, local 2, Santiago 

El oficio del tejido, la acción repetitiva y sus códigos de escritura se dan lugar como una actividad de exclusividad femenina. Este proceso casi obsesivo, acompaña el paso del día tras una cotidianidad silenciada haciendo las veces de contenedor, las fallas de la confección no son sino la evidencia de aquello. El tejido escribe la imagen paradójica de la figura femenina, se omite el ejecutor y se da lugar a una lectura sesgada, sin nombre, sin la mano que escribe.

La propuesta evidencia este lenguaje del silencio, dándole validez y visibilidad por si mismo al ser descontextualizado en una vitrina, tensionando la asociación convencional de género y oficio, dándose lugar a la posibilidad de leer un nutrido diario de cabecera en cada pieza confeccionada. Tejer es escribir.

El ser onironauta está consciente de lo que percibe en el sueño, toma control del imaginario elaborado por su inconciencia, e incluso puede viajar constantemente a un estado cotidiano que en sentimiento se percibe más real que su propia realidad, una hiperrealidad dispuesta al antojo del soñante. Esta obra expone la superposición de un protagonista bajo elementos bidimensionales y tridimensionales, los cuales representan el efecto de la alteración de la conciencia al desbordar el límite de lo ficticio con lo real, encarnando un estado semejante al sueño lúcido o estado de vigilia.

El dibujo ha sido y sigue siendo la herramienta básica de representación y comunicación. Esta cualidad primaria a todo elemento visual, se contrapone a la complejidad con que actualmente percibimos una gran cantidad imágenes de manera caótica y desordenada, muchas veces sin filtro ni estructura. Esa misma atmósfera de acumulación y saturación es contextualizada por medio de dibujos que parten de la realidad cotidiana para transformarla a base de premisas como el delirio o el absurdo. La disposición sin orden ni dirección, se inspira en la manera en que recibimos las imágenes que provienen de diversos lugares y se proyectan infinitamente de manera aleatoria sin principio ni fin, similar a un rizoma o a la estructura de un árbol cuyas ramas no obedecen a una jerarquía específica.

(Palabra extinta en el tiempo, su lenguaje se ha desvanecido en el propio devenir, Buan significaba habitar). La problemática del habitar se plantea como un conjunto de caracteres que comulgan al unísono, tanto como construcción física de rasgos arquitectónicos paisajísticos y a su vez como resguardo de esencia emotiva. A modo relacional la propuesta refuerza la situación espacial, así como su naturaleza temporal, a través de la configuración de una atmósfera habitable, configuración construida precisamente a través la deconstrucción del núcleo o “alma”, el cual mantenía la cohesión y funcionamiento del sistema. De esta forma fragmentos físicos del habitar, se disponen libremente sobre el soporte, se equilibran y levitan sobre este espacio, tras haber desvanecido su propia carga emotiva, presentándose como constructo efímero, tal cual nomadismo de una vitrina móvil.

Estos son los nombres de los seleccionados.

El equipo Móvil ha elegido los proyectos, en consideración a la viabilidad de ejecución, la proyección en la vitrina y la justificación escrita que hicieron de las propuestas.

¡Muchas gracias a todos por sus interés y participación! Esperamos el 2011 seguir con este proyecto.

Las vitrinas serán expuestas desde octubre en la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Bío-Bío y la Biblioteca Municipal de Concepción.

MÓVIL invita a los productores visuales de la región a participar de su convocatoria 2010, cuyo objetivo central es instalar propuestas en el espacio público, promoviendo el acercamiento de diversos usuarios hacia las artes locales.

Bases:
01. Podrá participar todo(a) productor(a) visual –profesional o autodidacta– de hasta treinta años que resida en la región del Bío-Bío.
02. Los trabajos podrán pertenecer a todos los géneros de la representación visual: dibujo, escultura, pintura, gráfica, fotografía, arte objetual, entre otros. Se excluyen, por razones de formato, el video y el uso del sonido.
03. Se aceptan como propuestas, trabajos inéditos o realizados con anterioridad (estos últimos deberán reacondicionarse al formato de la vitrina: 100 cm. de ancho x 120 cm. de alto x 57 cm. de fondo).
04. Cada postulante podrá enviar un máximo de tres propuestas.
05. La postulación deberá realizarse por mail –hola@movilonline.cl– de uno a tres bocetos digitales (jpg, RGB, 72 dpi, 600 x 800 px), un texto de presentación del proyecto (600 palabras como máximo), su ficha técnica (materiales y formato aproximado) y los antecedentes del participante (nombre completo, mail, teléfono de contacto y un currículo breve de no más de 20 líneas).
06. El cierre de la convocatoria es el domingo 22 de agosto del 2010.
07. Se elegirán un máximo de diez propuestas. Los encargados de seleccionar los proyectos son Leslie Fernández, Óscar Concha y Dany Berczeller, responsables de MÓVIL.
08. Los proyectos seleccionados serán contactados vía mail el día miércoles 25 de agosto a través de la página web (www.movilonline.cl) y correo electrónico.
09. Cada montaje tendrá una fecha única y un período de exhibición de 15 días aprox. (asignados previamente por MÓVIL), cuyo inicio será el martes 21 de septiembre de 2010. La duración de esta versión será de mediados de septiembre a fines de diciembre del 2010.
10. La vitrina será entregada con dos días de anticipación a la fecha del montaje y deberá ser devuelta en las mismas condiciones en que fue recibida, de modo que no se podrá intervenir estructuralmente el soporte (lo cual debe ser considerado en la solución de cada montaje).
11. Es responsabilidad de cada artista la ejecución y el traslado de sus trabajos al lugar donde se encuentra la vitrina. MÓVIL imprimirá una ficha informativa relativa al artista y su obra, la cual será instalada en la vitrina y difundida en la página del proyecto (www.movilonline.cl).
12. El lugar de exhibición será la Universidad del Bío-Bío.

Por medio del registro fotográfico de un falso decomiso, se construyen y disponen un conjunto de elementos que imitan la forma y materialidad de los envoltorios y sistemas de dosificación propios del narcotráfico. Se presentan como evidencias bultos rellenos con papel, convertidos sobre la superficie de la imagen en otra sustancia gracias al poder de una palabra iluminada.

Separar el decomiso de la contingencia noticiosa somete su imagen al examen de la mirada colectiva, presentando una realidad producida, simulada, ficcionada a partir de escenas reales registradas. Al desmantelar un circuito de acciones contenidas en este procedimiento como sistema económico y visual, se ha propiciado una práctica reflexiva que intenta ver el lado reversible de lo evidente, convirtiendo lo obvio en una interrogante movilizadora de juicios públicos.

Existen elementos de nuestra iconografía popular que se visualizan de acuerdo a determinadas circunstancias temporales, también otros que por cargas mágicas y esotéricas estructuran creencias como un deseo colectivo de complicidad del cual se genera un carácter identitario. Algunos de estos objetos se desligan de su funcionalidad primaria, dividiéndose racionalmente bajo un afán de fetiche, sociabilizándose en un nuevo uso por el sueño de experimentar una verdad imaginaria bajo cierta fascinación esotérica dentro de su cotidiano, proyectando sobre estos objetos un dominio de la inestabilidad de su condición humana, limitada por códigos que definen la existencia de un objeto posible pero inútil, que se determina y reconoce bajo una estereotipada conducta colectiva, estableciéndose después de su adquisición y compra dentro del hogar, permaneciendo por su carga simbólica.

El archivo fotográfico familiar permite visualizar la herencia de fisonomías y rasgos traspasados de una generación a otra. La reconstrucción ficticia de una historia fotográfica, frente a la carencia de este tipo de documentos, en este caso concreto con el linaje familiar femenino, se lleva a cabo por medio de montajes que conformarían sus posibles “identidades visuales”.

La combinación de rasgos faciales por medio del fotomontaje digital y el diseño de imágenes móviles, dará nacimiento a estos nuevos “retratos” realzando el quiebre o fragmentación del conjunto de recortes.

Por medio de la mecánica del libro móvil se descubre un nuevo fragmento identitario, el cual da forma a un nuevo rostro mutable. En este quiebre se admite la imposibilidad de llegar a una imagen estable de cada antepasado, una pregunta abierta a un sin fin de posibles respuestas que se encuentran en movimiento constante.

Cuando caserío, conjunto de casas, se relacionó accidentalmente, surgieron entre otras las siguientes interrogantes: ¿Cuál de todos era el patrimonio? y ¿Qué era lo nuestro? Así lo siniestro y los miedos a ciertas manifestaciones de la materia, también se articulaban como atisbos de identidad para los pueblos, proponiendo nuevas variables en la aparente homogeneidad del imaginario.

Asumir la conmemoración de un siniestro que nunca aconteció, y del cual se visualizaron sus reales efectos pero no sus imaginarias causas, registrar lo que sintieron aquellas personas con una falsa alarma y sus acciones movidas por el miedo, se vuelven concebibles con la ilustración y circulación de aquello que no necesitó de una ola para ser verdad ni del morir para ser vivido.

http://www.caserio.cl

Una serie de cajas de remedios de diversos tamaños y colores extendidas desde su interior, son las contenedoras de numerosas ilustraciones hechas a mano alzada que representan entidades monstruosas y criaturas alegóricas que simulan vomitar, devorarse, engullirse, bailar o simplemente estar, cómo alusión a un estado físico de pánico, de molestia y calamidad. Se recontextualiza el Mal Agüero y la superstición, con citas al bestiario medieval y la recopilación de narraciones mágicas, tan espantosas como necesarias para la identidad colectiva.

Con el proyecto Laboratorio se pervierte el significado de objeto cotidiano al poblarlo de criaturas irreales y al fabular no tan sólo con cada especie inventada,sino con la totalidad de la superficie cúbica conformada por los cartones.

Un movimiento masivo de bicicletas en las calles, un paseo mensual para celebrar el ciclismo y para afirmar los derechos del ciclista. Masa crítica no es una organización, es una coincidencia no organizada que se despliega en muchas ciudades del mundo. Sucede cuando muchos ciclistas se reúnen en el mismo lugar, a la misma hora y deciden pedalear juntos en un mismo recorrido. Se trata de una idea y un evento, es gratis, no es una carrera, se hace sólo por diversión. No busca generar el odio por parte de los automovilistas, sino el respeto hacia los ciclistas permitiendo respetar su presencia en las calles de Concepción. Por medio de la bicicleta se busca mejorar la calidad de vida de nuestra ciudad evitando la contaminación acústica y ambiental. Usa la bicicleta todos los días, celébralo una vez al mes.

http://masacriticaconcepcion.blogspot.com

Este trabajo forma parte de una serie que reflexiona sobre la existencia de la comunidad sorda en Chile y la discriminación que enfrenta, basándose concretamente en el contexto de Concepción. Esta experiencia ha permitido observar la ausencia de políticas estatales y educacionales que resguarden el acceso a la lengua de señas, su uso y la transmisión de la cultura sorda como una condición necesaria para el real ejercicio de los derechos de las personas sordas y su permanencia en el tiempo como colectividad.

La reproducción de 3 vídeos que relatan la postura y pensamiento crítico de esta minoría lingüística, centrándose en lo que la comunidad tiene y le urge decir, sin ser “contado por otros”, hablando en primera persona y en su propia lengua, la lengua de señas. Así se invita al espectador a observar y experimentar la realidad que diariamente vive una persona sorda en una sociedad que no habla su lengua. Como una manera de intentar quebrar esa barrera comunicacional, se propone conocer estos vídeos en  http://manifiestosordo.blogspot.com

Un mundo rosa propone la construcción de un universo paralelo, poblado de criaturas, personajes y color; donde es posible encontrar la conjugación de amor, felicidad y fantasía. Por medio de este trabajo se apela al mundo infantil, subjetivo e individual, que sólo podemos ver cerrando los ojos, en nuestros sueños o en esa vida secreta que nos pertenece y nadie puede tocar. Se trata de imágenes del inconsciente que buscan salir y proyectarse, creando realidades simultáneas, donde la racionalidad y lo concreto pierden toda lógica para dar cabida a la espontaneidad.

El concepto principal de este proyecto radica en la antropofagia en su significado más puro: el hábito o condición de consumir carne humana. Desde un punto de vista simbólico, la ingesta del extranjero alude al proceso del ser antropófago como una característica esencial dentro de la identidad latinoamericana (Manifiesto Antropófago, Oswald de Andrade).

Como solución formal y estética se recurre a la vestimenta como soporte, como objeto dotado de un proyecto configurado por el hombre con vistas a una utilización, a una performance. Aceptando ser consumidores masivos de lo que “queremos ser” a través del vestir, vemos que somos lo que vestimos y que son nuestras propias prendas quienes nos devoran. De esta manera el soporte se transforma en un agente devorador y al ser puesto en una persona creará, desde un punto de vista cultural, el efecto de “comerse al otro”.

El jardín de las malicias busca descontextualizar las plantas popularmente conocidas como malezas, sacándolas de los lugares y situaciones en que comúnmente se las puede encontrar con el fin de desconcertar y hacer reaccionar a quien observa, cambiando su modo de ver y relacionarse con su entorno natural. La maleza es utilizada como analogía de todo lo que rechazamos y condicionamos como cultura, con el propósito de evidenciar cómo una planta, al ser considerada una Mala Hierba, pierde ante nuestra mirada todo
valor estético.

Al sacarlas de su contexto, se liberan de la carga cultural que les adjudicamos y es posible apreciarlas por sí mismas. Este quiebre permite comenzar a observar de manera objetiva, en este caso Las Malezas, como cualquier otra planta y apreciarlas por sus características estéticas particulares.