En Rodaje consiste en un par de vitrinas móviles –Aquí y Allá–, que circulan por espacios públicos e instituciones representativas dentro de la ciudad de Concepción.

En su segunda etapa, diez artistas jóvenes fueron seleccionados mediante un concurso abierto, considerando la calidad de su propuesta y la coherencia tanto con el soporte como con el espacio público.

Un maniquí construido a base de retazos de tela, costura, pintura y resinas, es una exploración en volumen de una inquietud recurrente y desarrollada en obras anteriores. Se considera al cuerpo como el modo en que acontecemos en el mundo, premisa bajo la cual se pretenden desligar las clasificaciones habituales realizadas tanto por la medicina como otras disciplinas que separan al cuerpo y lo contemplan como objeto de análisis. En esta obra se hace una apropiación de un mecanismo tradicional de estudio del cuerpo humano, y se transforma aprovechando sus posibilidades expresivas. El objeto en si mismo es una metáfora de la somatización de las experiencias emocionales. Dada su estructura como plataforma de exposición Móvil, posibilita una doble lectura de este trabajo concibiéndose tanto como obra de arte, como objeto de vitrina museal.

Un lapsus hace referencia sobre el tiempo, indistintamente si es un espacio atemporal o no. Para este espacio de tiempo casi indescifrable es el que ocupo para darle el título a mi trabajo, por una parte, para hablar metafóricamente de la muerte de la pintura al utilizar como referentes trozos de carne de animal, y por otra parte al disponerlos dentro del espacio de Móvil como si fuera un congelador, o un conservador de materia inerte. Lapsus, es entonces, así como un espacio de tiempo indescifrable, un lugar de contención, un diálogo entre el arte, los espacios y la historia de la pintura un diálogo de persistencias y pertenencias entre lo que se muestra y lo que se conserva. El tiempo, la materia viva o muerta es la que da cuenta de un cuerpo, el cuerpo de la pintura, de su insistencia por subsistir.

Este trabajo es una reflexión entorno al peligro que implica “La naturaleza” como un factor externo de quiebre cultural que destruye de forma rápida y dramática nuestro entorno material y simbólico. La obra esta compuesta de dos materiales distintos: un volumen construido en gelatina congelada y diversos juguetes con lo cual se promueve una emoción plástica ambigua, introduciendo elementos simbólicos y figurativos de nuestro entorno contenidos en un volumen rígido y estable, que se destruye con el paso del tiempo y sus condiciones. Se articula entonces un nuevo mensaje reintroduciendo a través del proceso de ruptura y destrucción de estos juguetes, vueltos a significar al ser incluidos como elementos figurativos y simbólicos en la destrucción del cuerpo que los contiene.

Una serie de ilustraciones, pinturas y grabados han sido creados a partir de referentes que permanecen en la memoria de una generación, vinculada a objetos tales como juguetes, cómics, disfraces, películas, dibujos animados que forma parte de la estética de los años 80, época que se caracterizó por el boom de los robots transformables y series de ciencia ficción que recreaban fantásticos escenarios futuristas para el siglo XXI. Pareciera, que los numerosos cambios tecnológicos no han generado mayor revolución, sin embargo están presentes en las nuevas formas de establecer comunicación, como de generar vínculos de información y conocimiento.

La naturaleza alberga un sinnúmero de elementos, de los cuales percibimos una pequeña cantidad, puesto que nuestros sentidos no se encuentran capacitados para apreciarlos. Con la ayuda de medios vicarios es que podemos imbuirnos de las complejidades de lo orgánico. La obra en su conjunto pretende darle valor a lo micro y no tan sólo en un afán científico sino también recrearlo por su valor estético, pues en ellos se contienen elementos de carácter matérico jugando roles impresionantes las texturas y tramas orgánicas. El rescate de dichas formas nace de la exploración al orden de las lepidópteras, del cual se rescatan las tramas imbricadas de sus alas y las formas convexas de sus huevos,las piezas se erigen con materiales que buscan acercarse también, de alguna forma, a esas cualidades matéricas, utilizando el hilo y la cerámica para revivir lo minúsculo.

El proyecto trata de un estudio de los ciclos naturales y la transfiguración de las formas como metáfora del cuerpo. Este estudio/experimento plantea la confrontación del cuerpo con la noción cultural que se le asigna; que es por principio estática, y que plantea una lucha infértil entre vida y muerte. Al contrario de esto, aquí se concibe como un campo de batalla en que ambas se abrazan y cuya unión lleva impresa el nacimiento de algo nuevo, un cuerpo que difícilmente responde a los cánones estéticos y culturales y se mantiene en una batalla sin tiempo ni espacio con la imaginería aplastante del poder.

El oficio del tejido, la acción repetitiva y sus códigos de escritura se dan lugar como una actividad de exclusividad femenina. Este proceso casi obsesivo, acompaña el paso del día tras una cotidianidad silenciada haciendo las veces de contenedor, las fallas de la confección no son sino la evidencia de aquello. El tejido escribe la imagen paradójica de la figura femenina, se omite el ejecutor y se da lugar a una lectura sesgada, sin nombre, sin la mano que escribe.

La propuesta evidencia este lenguaje del silencio, dándole validez y visibilidad por si mismo al ser descontextualizado en una vitrina, tensionando la asociación convencional de género y oficio, dándose lugar a la posibilidad de leer un nutrido diario de cabecera en cada pieza confeccionada. Tejer es escribir.

El ser onironauta está consciente de lo que percibe en el sueño, toma control del imaginario elaborado por su inconciencia, e incluso puede viajar constantemente a un estado cotidiano que en sentimiento se percibe más real que su propia realidad, una hiperrealidad dispuesta al antojo del soñante. Esta obra expone la superposición de un protagonista bajo elementos bidimensionales y tridimensionales, los cuales representan el efecto de la alteración de la conciencia al desbordar el límite de lo ficticio con lo real, encarnando un estado semejante al sueño lúcido o estado de vigilia.

El dibujo ha sido y sigue siendo la herramienta básica de representación y comunicación. Esta cualidad primaria a todo elemento visual, se contrapone a la complejidad con que actualmente percibimos una gran cantidad imágenes de manera caótica y desordenada, muchas veces sin filtro ni estructura. Esa misma atmósfera de acumulación y saturación es contextualizada por medio de dibujos que parten de la realidad cotidiana para transformarla a base de premisas como el delirio o el absurdo. La disposición sin orden ni dirección, se inspira en la manera en que recibimos las imágenes que provienen de diversos lugares y se proyectan infinitamente de manera aleatoria sin principio ni fin, similar a un rizoma o a la estructura de un árbol cuyas ramas no obedecen a una jerarquía específica.

(Palabra extinta en el tiempo, su lenguaje se ha desvanecido en el propio devenir, Buan significaba habitar). La problemática del habitar se plantea como un conjunto de caracteres que comulgan al unísono, tanto como construcción física de rasgos arquitectónicos paisajísticos y a su vez como resguardo de esencia emotiva. A modo relacional la propuesta refuerza la situación espacial, así como su naturaleza temporal, a través de la configuración de una atmósfera habitable, configuración construida precisamente a través la deconstrucción del núcleo o “alma”, el cual mantenía la cohesión y funcionamiento del sistema. De esta forma fragmentos físicos del habitar, se disponen libremente sobre el soporte, se equilibran y levitan sobre este espacio, tras haber desvanecido su propia carga emotiva, presentándose como constructo efímero, tal cual nomadismo de una vitrina móvil.

Estos son los nombres de los seleccionados.

El equipo Móvil ha elegido los proyectos, en consideración a la viabilidad de ejecución, la proyección en la vitrina y la justificación escrita que hicieron de las propuestas.

¡Muchas gracias a todos por sus interés y participación! Esperamos el 2011 seguir con este proyecto.

Las vitrinas serán expuestas desde octubre en la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Bío-Bío y la Biblioteca Municipal de Concepción.

MÓVIL invita a los productores visuales de la región a participar de su convocatoria 2010, cuyo objetivo central es instalar propuestas en el espacio público, promoviendo el acercamiento de diversos usuarios hacia las artes locales.

Bases:
01. Podrá participar todo(a) productor(a) visual –profesional o autodidacta– de hasta treinta años que resida en la región del Bío-Bío.
02. Los trabajos podrán pertenecer a todos los géneros de la representación visual: dibujo, escultura, pintura, gráfica, fotografía, arte objetual, entre otros. Se excluyen, por razones de formato, el video y el uso del sonido.
03. Se aceptan como propuestas, trabajos inéditos o realizados con anterioridad (estos últimos deberán reacondicionarse al formato de la vitrina: 100 cm. de ancho x 120 cm. de alto x 57 cm. de fondo).
04. Cada postulante podrá enviar un máximo de tres propuestas.
05. La postulación deberá realizarse por mail –hola@movilonline.cl– de uno a tres bocetos digitales (jpg, RGB, 72 dpi, 600 x 800 px), un texto de presentación del proyecto (600 palabras como máximo), su ficha técnica (materiales y formato aproximado) y los antecedentes del participante (nombre completo, mail, teléfono de contacto y un currículo breve de no más de 20 líneas).
06. El cierre de la convocatoria es el domingo 22 de agosto del 2010.
07. Se elegirán un máximo de diez propuestas. Los encargados de seleccionar los proyectos son Leslie Fernández, Óscar Concha y Dany Berczeller, responsables de MÓVIL.
08. Los proyectos seleccionados serán contactados vía mail el día miércoles 25 de agosto a través de la página web (www.movilonline.cl) y correo electrónico.
09. Cada montaje tendrá una fecha única y un período de exhibición de 15 días aprox. (asignados previamente por MÓVIL), cuyo inicio será el martes 21 de septiembre de 2010. La duración de esta versión será de mediados de septiembre a fines de diciembre del 2010.
10. La vitrina será entregada con dos días de anticipación a la fecha del montaje y deberá ser devuelta en las mismas condiciones en que fue recibida, de modo que no se podrá intervenir estructuralmente el soporte (lo cual debe ser considerado en la solución de cada montaje).
11. Es responsabilidad de cada artista la ejecución y el traslado de sus trabajos al lugar donde se encuentra la vitrina. MÓVIL imprimirá una ficha informativa relativa al artista y su obra, la cual será instalada en la vitrina y difundida en la página del proyecto (www.movilonline.cl).
12. El lugar de exhibición será la Universidad del Bío-Bío.